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Arte de la Edá Moderna

Vista n'altor de la Plaza de San Pedro, de Piranesi (1748), arquiteutu visionariu que nesti grabáu destaca la columnata de Bernini (1656-1667), autor tamién del diseñu de la plaza y del baldaquino interior, toos ellos elementos barrocos. La fachada de Carlo Maderno (1626) da pasu a un brazu mayor, allongamientu del mesmu arquiteutu, qu'alterió la planta centralizada concebida pa la Basílica de San Pedro polos anteriores maestros del Alto Renacimientu dende 1506: Bramante, Rafael, Sangallo y Miguel Ángel, que la so solución pa la cúpula afitó hasta güei el perfil del horizonte de Roma. Les Estancies Vaticanes (colos frescos de Rafael, 1508-1524) y la Capiya Sixtina (colos de los pintores del Quattrocento, 1481-1482, y los de los dos dómines de Miguel Ángel, 1508-1512 y 1535-1541) pertenecen al mesmu conxuntu; una concentración inigualable d'hestoria del arte de la Edá Moderna, lo mesmo que de los fechos y procesos históricos que lo fixeron surdir y evolucionar. A pesar d'esta induldable centralidad, l'arte de la Edá Moderna foi muncho más que arte relixoso; tuvo, inclusive n'Italia, munchos centros amás del romanu (Florencia, Venecia, Nápoles); y tuvo, n'otros países d'Europa Occidental, munches otres escueles nacionales (Flandes, Alemaña, Francia, Inglaterra, España), caúna coles sos propies escueles locales.
L'inmensu complexu de la Ciudá Prohibida de Beixín, sede del gobiernu imperial chinu mientres les dinastíes Ming y Qing, un espaciu palaciegu qu'aventaya en dimensiones y luxu al Palaciu de Versalles, al Monasteriu d'El Escorial o al Hofburg de Viena. Amás de vehículu d'espresión artística, similares funciones sociu-polítiques cumplieron el Kremlin de Moscú, el Palaciu de Topkapi d'Istambul, el Palaciu de Golestán de Teḥrán o'l Castillo Edo de Tokiu. Les civilizaciones non occidentales, con esceición de les americanes, siguieron mientres la Edá Moderna la so dinámica propia, qu'incluyó'l desarrollu autónomu del so arte. Nel casu de les d'Estremu Oriente, ensin apenes influyencia europea, sacante Filipines.

Arte de la Edá Moderna ye'l periodu o subdivisión temporal de la hestoria del arte que correspuende a la Edá Moderna. Nun s'hai de confundir col conceutu d'arte moderno, que nun ye cronolóxicu sinón estéticu, y que correspuende a determinaes manifestaciones del arte contemporáneo.

El periodu cronolóxicu de la Edá Moderna correspuende colos sieglos XV al XVIII (con distintos finxos iniciales y finales, como la imprenta o'l descubrimientu d'América, y les revoluciones francesa o industrial), y significó históricamente n'Europa la conformanza y posterior crisis del Antiguu Réxime (conceutu qu'inclúi la transición del feudalismu al capitalismu, una sociedá estamental y preindustrial y una monarquía autoritaria o absoluta desafiada poles primeres revoluciones burgueses). Dende la yera de los descubrimientos los cambeos históricos aceleráronse, col surdimientu del estáu modernu, la economía-mundo y la revolución científica; nel marcu del entamu d'una decisiva espansión europea al traviés de la economía, la sociedá, la política, la téunica, la guerra, la relixón y la cultura. Mientres esi periodu, los europeos estendiéronse fundamentalmente por América y los espacios oceánicos. Col tiempu, yá a la fin del periodu, estos procesos terminaron per faer dominante la civilización occidental sobre'l restu de les civilizaciones del mundu, y collo determinaron la imposición de los modelos propios del arte occidental, concretamente del arte europeo occidental, que dende'l Renacimientu italianu identificar con un ideal estéticu formáu a partir de la reelaboración de los elementos recuperaos del arte clásico greco-romanu, anque sometíos a una socesión pendular d'estilos (renacencia, manierismu, barrocu, rococó, neoclasicismu, prerromanticismu) que, bien optaben por una mayor llibertá artística o bien por un mayor sometimientu a les regles del arte institucionalizaes nel denomináu arte académico. La función social del artista empezó a superar la del pixín artesanu pa convertise nuna personalidá individualista, que destacaba en la corte, o nuna figura d'ésitu nel mercáu llibre d'arte. Al igual que nos demás ámbitos de la cultura, la modernidá aplicada al arte significó una progresiva secularización o emancipación de lo relixoso que llegó al so puntu culminante cola Ilustración; anque'l arte relixoso siguió siendo unu de los más encargaos, si non el que más, yá nun dispunxo de l'apolmonante presencia que tuviera nel arte medieval.

Sicasí, mientres tol periodu de la Edá Moderna les principales civilizaciones del mundu caltuviéronse pocu influyíes, o inclusive cuasi del tou ayenes a los cambeos esperimentaos poles sociedaes y l'arte européu, calteniendo esencialmente les traces cultural y artísticu propios (arte de la India, arte de China, arte de Xapón, arte africano).

La civilización islámica, definida pola so posición geoestratégica entemedia, y principal competidora hestórica de la civilización cristiana occidental, a la qu'apostó secularmente l'espaciu mediterraneu y balcánicu, desenvolvió distintes modalidaes locales d'arte islámico nes que pueden trate influyencies tantu del arte occidental como del de les civilizaciones orientales.

Pal casu del arte americano, la colonización europea supunxo, especialmente pa zones como Méxicu y Perú, la formación d'un arte colonial con delles carauterístiques sincrétiques.

N'Europa oriental l'arte bizantino siguió perviviendo col arte ruso o con delles manifestaciones del arte otomano.

Amás de les artes plástiques, otres belles artes como la música, les artes escéniques y la lliteratura tuvieron desarrollos paralelos, analoxíes formales y una mayor o menor coincidencia estética y, sobremanera, intelectual, ideolóxica y social; lo que dexó a la historiografía etiquetar la so periodización con denominaciones similares (música de la renacencia, música barroca, música del clasicismu; lliteratura de la renacencia, lliteratura del barrocu, lliteratura ilustrada o neoclásica, etc.) Lo mesmo puede dicise de les denominaes artes menores, decoratives o industriales, que fueron un fiel reflexu del gustu artísticu de determinaes dómines (como los denominaos estilos Enrique II, Lluis XIII, Lluis XIV, Rexencia, Lluis XV, Lluis XVI, Direutoriu y Imperiu, convencionalmente denominaos a partir de la hestoria del moblame francés[1]).[2]

Arte europeo occidentalEditar

Sieglos XV y XVI: Góticu final, Renacimientu y ManierismuEditar

Góticu final y Renacencia nórdicaEditar

Artículu principal: Góticu tardíu

El sieglu XV significó una continuidá del arte gótico na mayor parte de los países europeos. El denomináu góticu internacional representaba la imposición, nel denomináu seronda de la Edá Media,[3] d'un gustu refináu y cortesanu, d'orixe francés, provenzal y borgoñón, que s'estendía ente toles artes plástiques, especialmente la pintura en soportes muebles (polípticos cada vez más complexos[4] y llume de manuscritos) y la orfebrería (El corcel doráu, 1404). El góticu flamíxeru aplicar a l'arquiteutura civil (conceyos y palacios urbanos) amás de la relixosa, de lo que son amuesa los conxuntos urbanos de riques ciudaes burgueses como Bruxes y Gante en Flandes y otros nucleos nes rutes comerciales que s'estendíen por tol continente con gran vitalidá tres la crisis del sieglu XIV: feries de Champaña y de Medina, cañaes de la Mesta que cruciaben Castiella de sur a norte (Toledo, Segovia, Burgos), ciudaes del Rin (Colonia, Maguncia, Colmar, Friburgu, Estrasburgu, Basilea), del sur d'Alemaña (Augsburgu, Núremberg), de Borgoña (Dijon, Hôtel-Dieu de Beaune, 1443) o los puertos septentrionales de la Hansa (Tallin, Danzig, Lübeck, Hamburgu o'l mesmu Londres).

El caltenimientu de la tradición gótica, de les carauterístiques locales o la mayor o menor influyencia de los nucleos flamencu-borgoñón o italianu caracterizó la diversidá de la producción artística europea mientres tol periodu. Bona parte de la producción arquitectónica de finales del XV y empiezos del sieglu XVI efeutuar con estilos nacionales que suponen una evolución natural del góticu, como'l platerescu o isabelín (d'aldericáu finxamientu) y el estilu Cisneros en Castiella;[5] y el estilu Tudor o góticu perpendicular en Inglaterra, qu'evolucionó a l'arquiteutura isabelina de finales del XVI y empiezos del XVII, yá fuertemente influyida polos nuevu modelos renacentistes italianos. El arcu ojival góticu y les floríes cruceríes fueron sustituyíos pol arcu de mediu puntu, la cúpula y los elementos arquitrabados que recordaben a Roma (frontones, frisos, cornises, órdenes clásicos). Inclusive s'impunxo la decoración a base de los grutescos apocayá afayaos na Domus Aurea de Nerón.

En pintura y escultura, el gustu nórdicu predominó frente al italianu hasta empiezos del sieglu XVI na mayor parte d'Europa Occidental, lo qu'esplica l'ésitu d'artistes como los Colonia, los Egas, Gil de Siloé, Felipe Bigarny, Rodrigo Alemán o Michel Sittow (proveniente d'un llugar tan alloñáu como'l Bálticu Hanseáticu); anque l'influxu d'Italia tamién se dexó sentir, como demuestra'l periplu européu d'escultores italianos como Domenico Fancelli y Pietro Torrigiano (menos significativa foi la emigración de pintores italianos, yá que ye fácil importar pintura, pero ye más fácil importar al escultor qu'a les escultures) y los aprendizaxes n'Italia de pintores franceses y españoles como Jean Fouquet, Pedro Berruguete o Yáñez de la Almedina. Pero nin siquier neses primeres décades del sieglu XVI puede dicise que se produxera una identificación del italianismu renacentista a mercar o asonsañar col canon florentín-romanu o «paradigma vasariano» (que ye'l que terminó afitando nel gustu clasicista perpetuáu nos sieglos posteriores).[6] La mayor parte de la producción llocal, en tolos artes, tuvo una paulatina transición ente les formes gótiques y les renacentistes. Na escultura castellana, esta transición corrió a cargu del grupu formáu en redol a los Egas, con Juan Guas y Sebastián de Almonacid),[7] ente que na corona d'Aragón cumplió un papel similar Damián Forment y en Francia Michel Colombe.

Inclusive na mesma Italia de finales del XV había posiblemente mayor interés pola pintura flamenca qu'el que pudiera haber pola pintura italiana en Flandes, como demuestra l'impautu del Trípticu Portinari (1476), que nun tuvo equivalente n'obres italianes esportaes a los Países Baxos.[8] En cuanto al gustu priváu d'un monarca de la segunda metá del XVI, calificáu de Príncipe del Renacimientu,[9] como Felipe II d'España, les fantasíes oníricu y moralista d'El Bosco o les obres de pintores tan arcaizantes como Marinus y Pieter Coecke aventayaben a los maestros italianos o a otros más innovadores, como El Greco. Sicasí, la xeneración de los monarques de la primer metá del sieglu dexárase seducir polos xenios italianos de Leonardo da Vinci (Francisco I de Francia) o Tiziano (Carlos I d'España ―emperador Carlos V―).

Tocantes a Flandes ya Italia, la brillantez y orixinalidá indiscutible de cada unu de los artistes individuales y escueles locales; según la fluidez de los contactos mutuos, tantu d'obres (Trípticu Portinari) como de maestros (Xusto de Gante, Petrus Christus, Roger van der Weyden, Mabuse ―viaxen de Flandes a Italia― Jacopo de'Barbari, Antonello da Messina ―viaxen d'Italia a Flandes―, el viaxe de Antonello, citáu por Vasari, ye puestu en dulda pola moderna historiografía, que namái reconoz la so coincidencia con Petrus Christus en Milán[11]); obliguen a falar d'un protagonismu compartíu que nin priorice nin confunda les carauterístiques propies de cada focu, que son marcadamente distintos.[12]

La rexón flamencu-borgoñona y la so conexón natural con Italia, la zona alemana del Rin y l'altu Danubiu, fueron d'un destacáu dinamismu en toles cañes de la cultura y l'arte, destacadamente en pintura, cola innovación decisiva de la pintura al oliu (hermanos van Eyck)[13] y el desarrollu del grabáu qu'algamó altores estraordinarios con Alberto Durero o Lucas van Leyden, amás de la invención de la imprenta (Gutenberg, 1453). La pintura flamenca y alemana carauterizar por un intensu realismu y nitidez, y el gustu pol detalle lleváu a la so llende. La escuela de pintores del sieglu XV denominada primitivos flamencos componer d'una estensa nómina de maestros: Roger van der Weyden, Thierry Bouts, Petrus Christus, Hans Memling, Hugo van der Goes, y dellos anónimos que la so atribución consiguir establecer o ye entá oxetu d'alderique (Maestru de FlemalleRoberto Campin―, Maestru de MoulinsJean Hey―, Maestru de la Lleenda de Santa Lucía,[14]Maestru de la xamasca bordada,[15]Maestru de Alkmaar, Maestru de Frankfurt, Maestru de la Lleenda de Santa Bárbara, Maestru de la Virgo inter Virgines, Maestru de la Vista de santa Gúdula, Maestru de María de Borgoña, Maestru del Monograma de Brunswick[16]); y que a finales del XV y empiezos del XVI siguió con figures de la talla d'El Bosco, Gerard David, Jan Joest van Calcar, Joaquín Patinir, Quentin Metsys o Pieter Brueghel el Viejo. La potencia de la pintura alemana de la dómina nun se llindó a Durero, viéndose na producción d'artistes como Grünewald, Altdorfer o Lucas Cranach el Viejo. Tamién se producen granibles viaxes de maestros alemanes a Italia (Durero, Michael Pacher),[17] ente que'l trasiegu de maestros alemanes, sobremanera renanos, escontra Flandes foi muncho más abondosu.


Renacimientu italianu: QuattrocentoEditar

Artículu principal: Renacimientu italianu

Italia desenvolviera mientres tola Edá Media producciones artístiques significativamente estremaes del restu d'Europa Occidental, qu'anque se clasifiquen dientro del románicu o del góticu, presentaren marcaes carauterístiques propies, que suelen atribuyise a la pervivencia del heriedu clásicu grecorromana y a los contactos col arte bizantino (particularmente en Veneciaarquiteutura gótica veneciana―,[18] pero tamién nel denomináu naturalismu romanuPietro Cavallini[19]). Amás de los precursores lliterarios del Renacimientu (Dante, Petrarca y Bocaccio), escultores como los Pisano, pintores de la escuela sienesa (Duccio di Buoninsegna, Simone Martini) y la escuela florentina (Giotto, Cimabue), y artistes completos como Arnolfo di Cambéu son los precedentes inmediatos de la esplosión creativa del Quattrocento (año mil cuatrocientos n'italianu), que s'empecipia colos frescos de Fra Angelico y de Masaccio, los relieves de Jacopo della Quercia y los bultos redondos de Donatello. La municipalidá de Florencia d'empiezos de sieglu convocó dos concursos d'obres puntuales pa la terminación de la so catedral que se convirtieron en finxos de la hestoria del arte: la solución xenial de Brunelleschi a la cúpula de Santa María del Fiore (1419), y les puertes de bronce del Baptisteriu, que realizó Ghiberti (1401).[20]

A mediaos de sieglu axuntar na mesma ciudá un afortunáu conxuntu de circunstancies, especialmente'l desarrollu de la filosofía humanista (que desenvolvió en términos antropocentristes nuevos conceutos d'home y de naturaleza, que la so mímesis ―imitación― sería la función del arte) y la presencia d'una llegación griega nel Concilio de Florencia (1439-1445, que procuraba la unidá de los cristianos nos momentos finales de la resistencia de Constantinopla frente a los turcos), que punxeron a l'antigüedá clásica, a los sos testos y a la reflexón sobre teoría del arte, nel centru de l'atención intelectual. Coles mesmes, los artistes esperimentaron una promoción social decisiva: pasaron a convertise en humanistes o homes de la renacencia, esto ye, profesionales completos non yá d'un oficiu artísticu, sinón de toos ellos al empar, amás de cultivaos y lletraos, lo que-yos dexaba ser tamién poetes y filósofos, dignos de xaciase con aristócrates laicos y eclesiásticos, príncipes, reis y papes, que-y los apostaben y nun s'avergoñaben d'almiralos y tratalos con considerancia.

La corte de los Médici utilizó'l mecenalgu como un mecanismu de prestíu a una escala que-y dexó convertir se nun centru artísticu comparable a la Roma d'Augusto o l'Atenes de Pericles: pintores como Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Pollaiuolo, Sandro Botticelli, Pinturicchio, Luca Signorelli, los Ghirlandaio, Cosimo Rosselli o Benozzo Gozzoli, escultores como Luca della Robbia o Andrea Verrocchio y arquitectos como Michelozzo, Bernardo Rossellino y Leon Battista Alberti. El vocabulariu clásicu y el descubrimientu de les lleis de la perspeutiva llinial construyeron les bases teóriques autoconscientes d'un arte de fuerte personalidá, la escuela florentina del quattrocento, que tres la decadencia de la sienesa (el so rival nel duecento y el trecento) convirtiérase na dominante n'Italia, carauterizada pol predominiu del disegno (dibuxu, diseñu). Prueba del so prestíu foi la seleición de maestros pal programa pictóricu de les parés llaterales de la Capiya Sixtina (1481-1482). Yera común que munchos de los pintores florentinos vinieren de otres escueles locales italianes, como Piero della Francesca, que venía de la escuela de Ferrara (Francesco del Cossa, Cosme Tura), Mantegna, que venía de la Escuela de Padua (Francesco Squarcione, Melozzo da Forli, Filippo Lippi) o Perugino, de la escuela d'Aveséu o de les Marques (Melozzo da Forli, Luca Signorelli). La escuela veneciana, de la mesma, recibió l'influxu del veronés Pisanello y el sicilianu Antonello da Messina (a quien s'atribúi la introducción de la téunica flamenca del oliu n'Italia)[21] pa desenvolver carauterístiques peculiarísimas centraes nel dominiu d'el color, visibles en Alvise Vivarini y Carlo Crivelli y que van llegar al so visu colos Bellini.[22]



Alto Renacimientu o Renacencia clásicaEditar

Artículu principal: Altu Renacimientu

La xenial figura de Leonardo da Vinci, que caltuvo una vida errante poles cortes italianes y francesa, enmarca'l tránsitu escontra'l Cinquecento (año mil quinientos n'italianu). Ábrese'l denomináu Alto Renacimientu o Renacimientu clásicu:[26] Florencia (que sufriera'l raxón iconoclasta de Savonarola) foi sustituyida como centru artísticu por Roma, sol mecenalgu papal, qu'atraxo a Bramante, Miguel Ángel y Rafael Sanzio, desenvolviendo'l ambiciosísimo programa artísticu del Vaticanu (que'l so enorme costu foi una de les razones del descontentu que xeneró la Reforma protestante), colo que puede falase d'una escuela florentín-romana (los citaos y Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto, Giulio Romanu, Benvenuto Cellini, Baldassarre Peruzzi, Giovanni Antonio Bazzi (Il Sodoma) y otros, que la so condición de émulos clisaos pol xeniu de los sos maestros, a pesar de los sos valores propios, fai-yos ser clasificaos bien davezu como manieristes).[27] Mentanto, en Venecia desenvolver con carauterístiques mesmes una escuela veneciana de pintura carauterizada pol dominiu d'el color (los Bellini, Giorgione, Tiziano).

En rellación cola renacencia de mediaos del sieglu XV, carauterizáu pola esperimentación sobre la perspeutiva llinial, el alto renacencia carauterizar pol maduror y l'equilibriu que s'atopa nel sfumato de Leonardo; nos volúmenes marmóreos de la terribilità miguelangelesca; n'el colores, testures y el chiaroscuro de los venecianos o de les Madonnes de Rafael, que dan a la lluz y a les solombres un nuevu protagonismu, al pie de la so carauterística morbidezza (suavidá, llandiura); nel adelantamientu del brazu nes semeyes (como na Gioconda); na composición clara, especialmente la triangular, marcada pola rellación de les figures con miraes y postures, particularmente nes manes.[28]

So Renacimientu o ManierismuEditar

Artículu principal: Manierismu

Dende'l sacu de Roma de 1527, la renacencia supera la so fase clasicista pa esperimentar con más llibertá formal y menos suxeción a equilibrios y proporciones, esaxerando les traces, introduciendo rotures ya inversiones del orde lóxicu, órdenes xigantes, formes dinámiques como la serpentinata, y dando pasu a guiños intelectuales y iconográficos sofisticaos o al humor. Los llonxevos Miguel Ángel y Tiziano siguieron el so ingente obra, de la que les nueves xeneraciones d'artistes asonsañen la so maniera (cuasi divinizada polos primeres historiadores del arte como Vasari) o bien desenvuelven la so propia creatividá:[29]PontormoDescendimiento, 1528―, CorreggioAdoración de los pastores, 1530―, ParmigianinoMadonna del pescuezu llargu, 1540―, BronzinoSemeya de Lucrezia Panciatichi, 1540―, TintorettoLavatorio, 1549―, VeronésBodes de Caná, 1563―, Sebastiano del Piombo, Arcimboldo, los Bassano, los Palma (pintores), Juan de BoloniaHércules y el centauru Neso, 1550―, Benvenuto CelliniSaleru de Francisco I de Francia, 1543― (escultores), SerlioLos siete llibros de l'arquiteutura, publicaos ente 1537 y 1551―, PalladioTeatru Olímpicu, 1580―, Vincenzo Scamozzi, Vignola, Giacomo della Porta (arquiteutos), o artistes completos como Giulio Romanu (edificiu y frescos del Palazzo Te, 1524-1534), Jacopo Sansovino (intervenciones en redol a la Plaza de San Marcos de Venecia dende 1529, como la Biblioteca Marciana, 1537-1553), Bartolomeo Ammannati (Fonte de Neptunu, ampliación del Palazzo Pitti, 1558-1570) y Federico Zuccari (Palaciu Zuccari, un estravagante y personal proyectu pa la so propia vivienda en Roma, 1590).


Pol restu d'Europa espublízase un estilu italianizante, qu'en cada zona adquier carauterístiques peculiares: en Francia la escuela de Fontainebleau, pintores como François Clouet, escultores como Jean Goujon, Ligier Richier o Germain Pilon y el embellecimiento de los elegantes châteaux de la Loire (ampliación del castiellu de Blois y construcción del castiellu de Chambord, dambos de Domenico da Cortona; Serlio y Gilles -y Breton n'el mesmu palaciu de Fontainebleau; Pierre Lescot nel del Louvre; Filiberto Delorme nes Tullerías);[31] n'España'l escultores Alonso de Berruguete, Diego de Siloé, Juan de Juni o Gaspar Magüeta, el pintores Luis de Morales, Juan de Juanes, Navarrete el Mudu, Alonso Sánchez Coello o Juan Pantoja de la Cruz, y los arquiteutos Pedro Machuca, Rodrigo Gil de Hontañón, Alonso de Covarrubias o los Vandelvira; nel Flandes estremáu pola revolución que traxo la reforma protestante, Quentin Metsys, Antonio Moru o Karel van Mander (el Vasari del norte); y n'Alemaña Lucas Cranach el Mozu o Hans Holbein el Mozu (que terminó la so carrera n'Inglaterra); n'Inglaterra, Íñigo Jones.


El llamáu So Renacimientu n'España coincide col empiezu de los sieglos d'oru de les artes.[35] Tres l'Alto nel que s'incorporaron los modelos puristes o clasicistes del romanu[36] (Palaciu de Carlos V, Catedral de Granada, Catedral de Xaén, Catedral de Baeza, Conceyu de Sevilla), nel postreru terciu del sieglu XVI desenvolvióse un ambiciosu programa propiu de marcada orixinalidá, centráu nel Monasteriu d'El Escorial (Juan Bautista de Toledo, Gian Battista Castello, Francesco Paciotto, Juan d'Herrera ―que la so fuerte personalidá fai-y davezu ser consideráu principal autor― y Francisco de Mora, 1563-1586), que dio trabayu a pintores italianos como Pellegrino Tibaldi y Federico Zuccaro, pero onde nun tuvo cabida, a pesar de la so xenialidá, un artista ensin apreciar por Felipe II: El Greco.

Sieglu XVII y primer metá del XVIII: Barrocu, Clasicismu y RococóEditar

BarrocuEditar

 
Trunfu de la Divina Providencia y cumplimientu de Los sos Fines sol pontificáu d'Urbanu VIII, frescu de techu nel Palaciu Barberini, de Pietro de Cortona (1633-1639).
Artículu principal: Barrocu

Na Italia de 1600 el intelectualismo manierista da pasu a un arte más popular: el barrocu, qu'apela direutamente a los sentíos, y en que s'da un valor fundamental a los xuegos de lluz y solombra, a formes xeométriques sofisticaes (como la elipse y la helicoidal), al movimientu, a la violencia nos contrastes y a la contradicción ente l'apariencia y la realidá. Dende'l so entamu dase simultáneamente con un enclín clasicista visiblemente opuesta.

La periodización del barrocu dexa identificar delles fases: un barrocu tenebrista a empiezos de sieglu XVII, un barrocu plenu o maduru nes décades centrales del sieglu, y un barrocu triunfante o decorativu a finales del sieglu XVII, que s'enllargó nel sieglu XVIII col denomináu barrocu tardíu, d'imprecisa diferenciación col rococó, estilu que tamién puede definise baxu parámetros bien distintos.[37]

Los principales pintores italianos d'enclín barrocu del sieglu XVII fueron Caravaggio, que la so curtiu y escandalosa carrera empecipió una verdadera revolución pictórica (y a que'l so estilu denominar dacuando como caravagismo, como tenebrismu o naturalismu); siguíu por il Spagnoleto José de Ribera (valencianu que la so obra realizar íntegramente en Nápoles), Pietro da Cortona (tamién arquitectu) y Luca Giordano (llamáu Luca fa empresto pola so rapidez d'execución). El protagonista del trunfu de les formes retorcigañaes del estilu barrocu na clasicista Roma (onde los académicos de San Lucas caltuvieron el dominiu del gustu academicista en pintura) foi un verdaderu artista completu: Bernini, qu'aplicó a escultura y arquiteutura una nueva concepción sensitiva, cuasi sensual (Éxtasis de Santa Teresa, Baldaquino de San Pedro); anque tamién otros como Borromini, los Maderno y los Fontana dexaron el so calquier nuna cada vez más esllumante Ciudá Eterna, confirmada como centru del arte europeo. L'arte de toos ellos foi un eficaz mediu de propaganda (en plena Propaganda Fide de la Contrarreforma) al serviciu de la Ilesia Católica, que pretendía ocupar tolos espacios públicu y priváu. La columnata de la Plaza de San Pedro de Roma ábrese lliteralmente como un abrazu «a la ciudá y al mundu» (urbi et orbi).[38] Otres ciudaes italianes desenvolvieron programes más modestos, pero non menos interesantes, como l'emerxente Turín de los Saboya, colos edificios de Guarino Guarini, o otres como Lecce, Nápoles, Milán, Xénova, Florencia y Venecia.[39]

Les instituciones eclesiástiques locales y la católica Monarquía Hispánica, especialmente col programa artístico y coleicionista de Felipe IV (Palaciu del Bon Retiru, Salón de Reinos, Torre de la Parada),[40] que siguió a pesar de les apretures económiques de la decadencia y la difícil coxuntura del reináu de Carlos II, van ser los principales veceros d'una constelación irrepetible de xenios de la pintura: Ribera (en Nápoles); Ribalta, Velázquez, Murillo, Zurbarán, Alonso Cano, Valdés Leal, Claudio Coello (n'España); Rubens, Jordaens (en Flandes). Inclusive se reclutarán primeres figures italianes como Tiépolo y Lucas Xordán. La imaginería de madera policromada llegó a visu ensin igualar con Gregorio Fernández, Alonso de Mena, Pedro de Mena y Martínez Montañés.

Nos países protestantes, el barrocu foi un arte burgués, d'iniciativa privada, con pintores holandeses como Rembrandt, Johannes Vermeer, Frans Hals o Ruysdael, que trabayaben pal mercáu llibre.

N'Inglaterra, que la so peculiar situación sociu-política-relixosa yera un entemediu ente los dos alternatives de la dómina, va atopar el so públicu un pintor de la talla d'Anton van Dyck.

En Francia, anque dellos pintores, como los hermanos -y Nain o Georges de La Tour, y escultores, como Pierre Puget o François Girardon pueden con facilidá inscribise dientro de los parámetros de lo barroco, la corriente dominante se adscribió a los cánones del clasicismu.


ClasicismuEditar

Artículu principal: Clasicismu

Les academies que se crearon, primero na Italia renacentista, y depués n'España, Inglaterra y Francia, afitaron un gustu estéticu que ponía les normes codificadas polos tratadistas del arte percima de la fantasía creativa. Francia convertir na segunda metá del sieglu XVII nel centru d'esti movimientu clasicista, anque Italia inspirar na so primer metá (Annibale Carracci, Guido Reni, Domenichino, Guercino, Accademia di San Luca). Franceses fueron el pintor Nicolás Poussin, que pasó la mayor parte de la so vida artística en Roma, o l'escultor Jacques Sarazin.[43]

La máxima espresión del clasicismu francés foi'l programa artísticu diseñáu en redol al palaciu de Versalles, llevantáu pela rodiada de París como pieza clave d'un más ampliu programa d'inxeniería política y social pal asentamientu de la monarquía absoluta de Lluis XIV (pintores como Hyacinthe Rigaud o Charles -y Brun, arquitectos como Luis -y Vau o los Mansart, escultores como Coysevox o Puget, ya inclusive el diseñador de xardinos -y Nôtre).

La reconstrucción tres el gran quema de Londres de 1666 dexó diseños urbanísticos y edificios singulares nos que predominaron criterios clasicistes, mientres les villes campestres trazar con gustu palladiano. Va estableciéndose un gustu que va determinar col tiempu les diferencies ente'l xardín inglés artificiosamente naturalista frente a la pureza formal de les llinies del xardín francés.

RococóEditar

Artículu principal: Rococó

Anque l'orixe del términu ye despreciatible, pretendiendo faer risión la retorcigañada decoración de rocailles y coquilles mesma del tamién denomináu estilu Lluis XVI, al igual que col manierismu, el rococó terminar por definir como un estilu autónomu, y al igual qu'a aquél, una esposición entamada pol Conseyu d'Europa dio-y definitivamente'l prestíu historiográficu (Múnich, 1958).[44]

A lo llargo de los dos primeros tercios del sieglu XVIII, los palacios que se llevantaron a imitación de Versalles por toa Europa a mayor gloria de les monarquíes absolutes en procesu de convertise en despotismos ilustraos (Palaciu Real de Madrid y La Granxa n'España, Palaciu d'Iviernu y Palaciu de Catalina en San Petersburgu, Schönbrunn en Viena, Sanssouci en Prusia, Zwinger de Dresde, Ludwigsburg en Württemberg, Amalienborg en Copenhague, Caserta en Nápoles ―n'Inglaterra nun hubo palacios versallescos, el más importante de los edificios del sieglu XVIII foi'l Palaciu de Blenheim de John Vanbrugh, allongamientu del barrocu clasicista inglés y anticipador del neoclasicismu―[45]) enllenaron los sos espacios interiores con un arte intimista, priváu ya inclusive secretu, de gran sensualidá, representáu na pintura francesa por Watteau, Maurice Quentin de La Tour, Boucher y Fragonard; y nel esquisitu cuidu puestu na confección ya instalación de porzolanes (la gran novedá teunolóxica de la dómina, qu'ocupó a dalgunos de los meyores escultores: MeissenJohann Joachim Kändler―, Augarten, NymphenburgFranz Anton Bustelli―, Berlín, Vincennes,[46]SèvresÉtienne-Maurice Falconet―,[47]Lomonosov,[48]Chelsea,[49] Bon Retiru, Alcora,[50] etc.), cristales (La Granxa), relós (Real Fábrica de Relós), Historia del mueble muebles, etc. El estuco pasó a ser un material bien utilizáu pa la confección de complexos espacios arquiteutónicu-escultóricos (Giacomo Serpotta); ente que el pastel en pintura (Chardin) y la terracota n'escultura (Clodion) convertir nes téuniques preferíes pal consumu d'un gran mercáu demandante de pieces pequeñes y elegantes. Los vedutisti italianos, sobremanera los venecianos Canaletto y Guardi, viéronse aguiyaos pola continua demanda de los primeres turistes aristocráticos que percorríen el circuitu artísticu européu (el Grand Tour).

Coles mesmes, en redolaes más públiques, la pintura inglesa realizaba propuestes estétiques asemeyaes coles conversation pieces y la pintura satírica d'Hogarth (que tamién cavilgó teóricamente sobre La curva de la guapura predominante nel arte rococó -la serpentine, serpentinata o sigmoidea-),[51] l'elegante desdexamientu de les semeyes y paisaxes de Gainsborough; l'allongamientu nel tiempu del denomináu alto barrocu alemán descomponía los espacios interiores de les ilesies (púlpitos, altares, pilastres, bóvedes) faciendo que la estravagante decoración convertir nel únicu elementu estructural visible;[52] ente que el churrigueresco español retorcía la fantasía barroca hasta la llende y Salzillo siguía la tradición imaginera. Los cartones de Goya, a pesar del so datación na segunda metá del sieglu, incluyir nun gustu artísticu asemeyáu al rococó, amuesa de la so pervivencia nun momentu en que la crisis del Antiguu Réxime enfrentaba esi gustu aristocráticu cola racionalidá y sobriedá burguesa que s'imponía na Revolución francesa (1789).

Segunda metá del sieglu XVIII y primer cuartu del XIX: Neoclasicismu y PrerromanticismuEditar

Artículu principal: Prerromanticismu

A mediaos del sieglu XVIII desamarrárase una verdadera fiebre arqueolóxico que remató col descubrimientu de les ruines de Pompeya en 1748. La conocencia del mundu antiguu revisar con nuevos criterios establecíos intelectualmente por tratadistas, académicos, críticos ya historiadores del arte. Unos empobinaron el gustu nun sentíu clásicu (Milizia, Mengs, Winckelmann, Diderot, Quatremère de Quincy) y otros nun sentíu que preludia el romanticismu, el neogóticu y los historicismos del sieglu XIX (Walpole, Lessing, Goethe). La oposición ente la sensibilidá neoclásica y la romántica pasó a ser un tópicu cultural, reforzáu por espaxaráu enfrentamientos xeneracionales como'l que supunxo la llamada batalla de Hernani (Comédie-Française, 28 de febreru de 1830, cuando'l públicu de la obra de Victor Hugo enfrentóse, estremáu ente los Chevelus ―mozos melenudos, románticos― y los Genoux ―vieyos calvos, neoclásicos―) o'l salón de París de 1819 nel que s'enfrentaron los partidarios del morboso romanticismu de La Balsa de l'Aguamala (Géricault) colos de la pulcritud neoclásica de Pigmalión y Galatea (Girodet ―que foi quien se llevó'l premiu―).


Sicasí, en realidá, el neoclasicismu ye tamién una estética revolucionaria, y tuvo la so propia rotura xeneracional xuvenil na exhibición del Xuramentu de los Horacios de Jacques Louis David nel salón de 1785 (l'escándalu del so relegación polos académicos, obligó a modificar el so llugar na esposición; y estendióse la so llectura política, en clave pre-revolucionaria). El romanticismu lliterariu, pela so parte, foi la opción estética de los reaccionarios (Chateaubriand). Hasta tal puntu la convivencia de la sensibilidá neoclásica y la romántica yera posible que, pa denominar l'arquiteutura neoclásica de la primer metá del sieglu XIX propúnxose utilizar el términu clasicismu románticu, a pesar del oxímoron (oposición de términos), yá que, amás de coincidir nel tiempu estilísticamente comparte traces cola estética romántica, al añedir cierta espresividá y espíritu aponderáu a la cencellez y claridá de les estructures clásiques grecorromanes.[53]


Na segunda metá del sieglu XVIII fueron habituales los diseños de salones urbanos de tradición barroca, pero sometíos a nueves convenciones. La destrucción de la Praça do Comércio de Lisboa pol terremotu de 1755 dexó la so reconstrucción como un espaciu abiertu sometíu a los cánones clásicos. En Madrid, el Paséu del Prau (dende 1763) axuntó un impresionante conxuntu arquiteutónicu y escultóricu proxectáu principalmente por Juan de Villanueva (Muséu del Prau, fonte de Cibeles, fonte de Neptunu, Xardín Botánicu, Observatoriu del Retiru). So los criterios de l'arquiteutura xeorxana trazóse l'urbanismu de Bath (Royal Crescent, John Wood, 1767-1774). Con una concepción muncho más neoclásica, en Múnich diseñóse la Königsplatz y los sos edificios, de Karl von Fischer y Lleo von Klenze (dende 1815). Mientres l'arquiteutura alemana ya inglesa optaben por un historicismu neogriegu, la francesa, sobremanera con Napoleón, optó polos modelos romanos (Ilesia de la Madeleine, concebida por el mesmu emperador pa Templu a la Gloria de la Grande Armée, y que reproducía'l modelu de la Maison Carrée de Nîmes, Pierre Contant d'Ivry, 1806).[53]

Nel mundu anglosaxón, el palladianismo, arquiteutura de villes triunfante n'Inglaterra dende finales del sieglu XVII, estender a los Estaos Xuníos apocayá independizaos. La cerámica de Josiah Wedgwood tuvo un gran impautu divulgador de les formes neoclásiques al traviés de les figures pures y baxorrelieves de John Flaxman. En Francia, arquiteutos visionarios como Étienne-Louis Boullée y Claude-Nicolas Ledoux plantegaron edificios basaos na combinación espectacular de les formes xeométriques, ente que la corriente dominante afitó un neoclasicismu más sobriu (Ange-Jacques Gabriel, Jean Chalgrin, Jacques-Germain Soufflot). N'España la crítica académica (Antonio Ponz, Real Academia de Belles Artes de San Fernando) cebar col denuesto de l'arquiteutura barroca, que les sos formes retorcigañaes dan pasu a la pureza de llinies de Ventura Rodríguez o Juan de Villanueva.

Canova y Thorvaldsen interpreten el nuevu gustu del denomináu estilu imperiu nuna escultura neoclásica d'alta perfección formal. Tocantes a la evolución de la pintura, n'Alemaña Runge y Friedrich; n'Inglaterra Joshua Reynolds, Henry Fuseli, William Blake, Constable y Turner; en Francia Jacques Louis David, François Gérard y Ingres, y n'España la escepcional figura de Goya, cierren el sieglu XVIII y abren el XIX.



Arte n'otros espacios de la civilización occidentalEditar

Arte colonial, hispanoamericanu o indianu y hispanofilipinoEditar

Artículu principal: Arte colonial hispanoamericanu

L'arte colonial hispanoamericanu o arte indiano[54] presenta nel periodu de la Edá Moderna la mesma socesión d'estilos que l'arte europeo, yá que la colonización española d'América supunxo'l final de la producción de les representaciones artístiques del arte precolombino, y en munches ocasiones inclusive la destrucción física de les obres d'arte anterior. Hasta'l mesmu trazáu urbanu de les ciudaes imponer de nueva planta, con un planu ortogonal nel que la Plaza d'Armes acoyía los edificios civiles y relixosos principales. Sicasí, les carauterístiques autóctones pervivieron, anque namái fuera como un sustrato (dacuando lliteralmente, como na Plaza de los Trés Cultures de Méxicu o nos murios incaicos que sirven de zócalo a construcciones posteriores). En munchos casos produció un verdaderu sincretismu cultural, de la mesma que na relixosidá popular. Producióse una síntesis ente los estilos europeos y les antigües tradiciones locales, xenerando una simbiosis que dio un aspeutu bien particular y carauterísticu al arte colonial.

Les sos principales amueses producir nos dos centros virreinales de más relevancia: Virreinatu de Nueva España (barrocu novohispano) y Virreinatu del Perú (escuela cuzqueña de pintura). En pintura y escultura, nes primeres fases de la colonización foi frecuente la importación d'obres d'arte européu, principalmente españoles, italianes y flamenques, pero aína empezó la producción propia, qu'incorporó traces inequívocamente americanos a les convenciones de los distintos xéneros artísticos.

Los contactos tresoceánicos de Méxicu con Filipines (Galeón de Manila dende Acapulco) dieron orixe a otru particular sincretismu detectable en delles obres a entrambos llaos del Pacíficu, especialmente na cerámica, los biombos o nos cristos crucificaos y otres figures en marfil con traces orientales, denominaos marfiles hispanu filipinos, anque dalgunos fixeron nel mesmu Méxicu. Tamién se producieron, nun contestu equivalente, marfiles lusu indios.[55]


Arte rusoEditar

Artículu principal: Cultura de Rusia

La cultura y l'arte ruso, al igual que les cultures eslaves de los Balcanes y Ucraína, definir a lo llargo de la Edá Media con una fuerte influyencia del arte bizantino, y esa influyencia siguió inclusive darréu a la Cayida de Constantinopla, coincidiendo cola construcción del estáu rusu en redol a la figura del zar como continuidá de la figura del basileus y l'imaxe de Rusia como una Tercera Roma.

La producción d'iconos y la llume de manuscritos siguieron nos sieglos de la Edá Moderna con similares convenciones y traces estereotipaes a los del Bizancio medieval. Col programa de occidentalización de Pedro I'l Grande, a partir de finales del sieglu XVII unviar a pintores locales a aprender a Italia, Francia, Inglaterra y Holanda, y contrátase a pintores d'esos mesmos países.

L'arquiteutura, anque siguió influyida principalmente pola arquiteutura bizantina nos primeros sieglos de la Edá Moderna, guardó la introducción d'enclinos renacentistes por artistes italianos como Aristóteles Fioravanti (1415-1486), qu'antes trabayara para Matías Corvino n'Hungría. Les construcciones de la dómina tuvieron una gran capacidá d'inclusión de múltiples elementos (teyaos de faldón d'orixe asiáticu, les cúpules bulboses d'orixe bizantín), tou ello reinterpretado con gran fantasía y coloríu, como na Catedral de San Basilio y l'estilu flamante» de la ornamentación de Moscú y Yaroslavl nel sieglu XVII. Escontra 1690 falar d'un barrocu moscovita (Francesco Bartolomeo Rastrelli). Mientres el sieglu XVIII la occidentalización faise cada vez más fonda, rematando nel programa de construcción de San Petersburgu con criterios neoclásicos.[56]

Arte orientalEditar

L'arte oriental definióse como conceutu per contraposición col arte occidental y por aciu estudios realizaos por historiadores del arte occidentales, seducíos precisamente pol so alteridad. El exotismo románticu dexeneró nun orientalismu en bona midida mixtificador.

Como principiu xeneral, y a pesar de la so multiplicidá, l'arte oriental considérase más estable nel tiempu que l'occidental de la Edá Moderna, suxetu a los continuos bandazos na socesión d'estilos. Especialmente estable foi'l arte d'Estremu Oriente, repetición de modelos fitos nel arte antiguo de les sos civilizaciones; ente que l'arte islámico (en bona midida, el d'una civilización sincrética y tresmisora, tan occidental como oriental, que tuvo'l so edá d'oru nel arte medieval) y l'arte de la India fueron más sensibles a tou tipu d'influyencies, provenientes tantu del Este como del Oeste.[58]

Arte islámicoEditar

Artículu principal: Arte islámico

Arte africano-islámicuEditar

Ver tamién: Arte africano

L'espaciu africanu, a pesar de la so situación xeográfica occidental, topar en bona parte na órbita cultural y artístico del Próximu Oriente y la civilización árabe-islámica, especialmente Exiptu y el Magreb (términu que significa precisamente occidente n'árabe). Lo mesmo puede dicise de grandes partes d'África oriental, sacante Etiopía, que se caltuvo como reinu cristianu.

Tombuctú foi'l principal centru de cultura islámica nel espaciu subsahariano dende finales de la Edá Media, col Imperiu songhay, asocedíu pola ocupación marroquina dende'l sieglu XVI.

Otres zones del África occidental y meridional siguieron cola so dinámica cultural ancestral, anque sometíes al impautu negativu de la espansión europeo y árabe (colonización direuta de los principales puertos ya impulsu al tráficu d'esclavos, que modificó fondamente les entidaes polítiques y redes sociales y culturales indíxenes).

Arte turco otomanuEditar

Artículu principal: Cultura de Turquía

L'arte otomano producióse principalmente en Asia Menor y los Balcanes, amás d'estender la so influyencia por tol mundu mediterraneu musulmán.

El periodu clásicu de l'arquiteutura otomana (sieglos XV al XVII) ta apoderáu pola figura del armeniu Acoricar Sinan, que conxugó la tradición bizantina con elementos étnicos de distintes procedencies. A él deben 334 edificios en delles ciudaes (mezquites Sehzade, de Suleimán y de Rustem Pachá n'Istambul, de Selim en Edirne, mausoleos del sultán Suleimán el Magníficu, de la so esposa Roxelana y del sultán Selim II, etc.). El Palaciu de Topkapi (1459-1465) yera comparable en suntuosidá interior a los más importantes del mundu.

La influyencia del arte europeo occidental dexárase sentir dende finales del sieglu XV, cuando'l pintor venecianu Gentile Bellini mover a Istambul a trabayar pal sultán Mehmed II (1479). Mientres el periodu de los tulipanes (1718-1730) produzse una renovación del interés pol arte d'Europa Occidental, y un arquiteutu francés, Mellin, va trabayar pa la corte otomana. Nel periodu siguiente, carauterizáu por formes similares al barrocu, destaca l'arquiteutu Acoricar Tahir.[60]



Arte persaEditar

Artículu principal: Arte persa

Mientres el sieglu XVII llevantaron les grandes mezquites safávides de Jorasán, Isfahán y Tabriz; y l'espaciu de la plaza de Naghsh-i Jahan de Isfahán, unu de los finxos urbanísticos más espectaculares de les ciudaes islámiques. L'usu de la cerámica vidrada da a les superficies les sos carauterístiques de testura y cromatismu. Enantes llevantárase en Teḥrán el Palaciu de Golestán (1524-1576), un programa artísticu empobináu a la ostentación del poder y el luxu, con espacios intimistes y placenteros que remembren a l'Alhambra y l'estereotipu orientalista-románticu de palaciu de les mil y una nueches; foi anováu fondamente nos sieglos XVIII y XIX.[61]

Les miniatures perses resalvaron la prohibición islámica de representar figures humanes en razón de la particular interpretación d'esi preceptu nel chiismu,[62] y desenvolvieron un estilu particularmente refináu que se compartió, al traviés de los estrechos contactos col Asia Central, col arte de la India. Carauterizar pol tratamientu esquisitu de los márxenes y l'usu convencional d'elementos d'interpretación poéticu-mística, como'l vinu (otra prohibición islámica) y los xardinos, que remembren el Paraísu.

Los centros de producción más importantes d'alfombres perses fueron Tabriz (1500-1550), Kashan (1525-1650), Herāt (1525-1650) y Kermán (1600-1650).

Arte mogol y otros de la IndiaEditar

Artículu principal: Arte de la India

L'Imperiu mogol impulsó la islamización de la India del norte, convirtiendo la mezquita nun edificiu relixosu competitivu colos templos hinduistes, yainas o budistes. Fatehpur Sikri, ciudá construyida ente 1569 y 1585, combinaba elementos islámicos (bóvedes, arcos y amplios patios) colos materiales y decoración tradicionales hindús. Shah Jahan, dende la restaurada capitalidad de Delhi impulsó edificaciones como'l Fuerte Colloráu y el Taj Mahal.

La pintura, a pesar de la prohibición coránica, tamién foi incentivada pol mecenalgu del poder. Akbar (iletrado, pero que la so biblioteca contenía 24.000 manuscritos ilustraos) fundó la pintura mogola na India, al introducir pintores como Mir Saiyide Alí y Abdus Samad, qu'establecieron escueles pictóriques en Gujarat, Rajastán y Caxmir, caracterizaes pol formalismu y la ornamentación viviega y colorista. Jahangir siguió'l mecenalgu, pero empobinó'l gustu a un nuevu realismu centráu en plantes y animales, ensin interés pola figura humana (pintor Ustad Mansur).

Nel sur de la India, non suxetu al Imperiu mogul, siguió la tradición artística de la India antigua, especialmente la cultura del Imperiu Vijayanagara, con capital en Hampi, y otros estaos rivales, como Madurai.

Al noroeste, na zona del Panyab, empecipióse una nueva relixón, el sijismo, que tien nel Templu Doráu el so principal edificiu artísticu.

Arte d'estremu orienteEditar

Arte chinoEditar

Artículu principal: Arte de China

La Ciudá Prohibida de Beixín foi concebida pol arquiteutu Kuai Xiang (1397-1481). La construcción del xigantescu complexu empezó en 1406 y terminó en 1420. El so palaciu imperial ye la mayor edificación de madera del mundu.

Destacaos pintores de la dinastía Ming (sieglos XIV al XVII) fueron Tang Yin, Wen Zhengming, Shen Zhou, Qiu Ying, Xu Wei o Dong Qichang. Destacaos pintores del empiezu de la dinastía Qin (sieglu XVIII) fueron Bada Shanren, Shitao o Jiang Tingxi.[65]


Arte xaponésEditar

Artículu principal: Arte del Xapón

El conceutu ancestral de guapura en Xapón ta amestáu al de sabi (ciclu de la vida y pasu del tiempu), y eso nun camudó a lo llargo de les socesives yeres históriques. A los sieglos de la Edá Moderna correspondieron los periodos Muromachi (1336-1573), Azuchi-Momoyama (1568-1603) y Edo (1603-1868). Sicasí hubo cambeos económicos, sociales, políticos ya ideolóxicos bien marcaos. La espansión del budismu zen añedió'l so gustu polo pequeño y cotidiano, sintetizáu en siete carauterístiques de fondu impautu artísticu: asimetría, simplicidá, elegante austeridá, naturalidá, fonda sotileza, llibertá y tranquilidá. El sentíu de serviciu a la comunidá nun llevó a los artistes xaponeses al individualismu propiu del arte occidental, y aparentemente fai pasar les más sutiles creaciones por pocu más que arte decorativo. Los xardinos, formes naturales perfeccionaes pol home, y la caligrafía, plasmación del xestu manual en tinta sobre papel, fueron vehículu aparente pa esta particular espresividá. Castiellos y santuarios sintoístes y budistes tán ente les formes arquiteutóniques más importantes, pero inclusive estes construcciones de valumbu carauterizar pol usu de materiales orgánicos y efímeros que precisen el so caltenimientu y renovación a lo llargo de les xeneraciones. El traumáticu contautu con occidente a partir de 1543 y el zarru total a tou contautu esterior en 1641 (sakoku) determinaron la continuidá de la vida artística xaponesa por aciu la evolución de los sos modelos tradicionales.[66]


FilmografíaEditar

Ver tamiénEditar

ReferenciesEditar

NotesEditar

  1. arte.html History of french furniture, fonte citada en fr:Histoire du mobilier français y fr:Liste des styles de mobilier.
  2. Les idees xenerales d'esta introducción son llargamente compartíes pola historiografía en bien distintos ámbitos: Rodney Hilton (ed.): La transición del feudalismu al capitalismu; Perry Anderson: L'estáu absolutu; Fernand Braudel: El Mediterraneu y el mundu mediterraneu en tiempos de Felipe II; Ruggiero Romanu y Alberto Tenenti: La formación del mundu modernu; Immanuel Wallerstein: El modernu sistema mundial; Carlo Cipolla: Cañones y veles; Arnold Hauser: Historia social de la lliteratura y l'arte, etc.
  3. Johan Huizinga, op. cit.
  4. Vease Categoría:Retablos
  5. Jonathan Brown: «España na era de les esploraciones: Una encruciada de cultures artístiques», en Reyes y mecenes (catálogu de la esposición, Muséu de Santa Cruz de Toledo, 1999), páx. 113-114:

    La práctica de dar a los diversos estilos artísticos los nomes de los monarques reinantes aplicar al paecer per vegada primera, al arte francés de los sieglos XVII y XVIII, en que la mayor parte de la producción artística salía de los talleres reales. Esta forma de patronalgu sistemáticu, efeutu secundariu del absolutismu establecíu por Lluis XIV, nun taba al algame d'otros monarques menos poderosos de fines de la Edá Media y la Renacencia, que teníen que regatar el poder colos sos vasallos. Con éses n'España, como nel restu de la Europa del sieglu XV, la uniformidá foi la esceición tantu nel arte como na política. L'axuntadura artística del periodu isabelín, amás, foi de singular riqueza, reflexando trés inflúis: un estilu tardogótico con orixe n'Alemaña y Países Baxos, un estilu clasicista procedente d'Italia y l'estilu islámicu de la población morisco y mudéxar de la mesma Península Ibérica. Coesistiendo de cutiu nos mesmos monumentos, estes corrientes estilístiques fueron aplicaes a la creación d'un arte complexo y peculiar.

  6. Fernando Checa: «Poder y piedá: patronos y mecenes na introducción de la Renacencia n'España», en Reyes y mecenes, op. cit., páxs. 21 y 22:

    l'italianismu renacentista (...) imponer en toa Europa [pero] los paradigmes vasarianos de Florencia y Roma nun funcionar como tales nin n'Europa nin nos reinos hispánicos, onde, al llau de la rexcepción por dellos artistes y mecenes de modelos florentinos leonardescos o de Ghirlandaio, paeció sentise una cierta preferencia polos exemplos que veníen de Ferrara, Padua y otres ciudaes del norte d'Italia

  7. Biografía en torrijos.es;Escultura gótica en ciber-arte;Tesis
  8. Stukembrok y Töpper, op. cit. The Working Stiff in Art: The Portinari Altarpiece.
  9. Esposición homónima nel Muséu del Prau, 1998.
  10. Ficha en Artehistoria.
  11. «Da Messina, Antonello»
  12. Escontra 1475 los dos tueros empiecen un importante intercambiu de teunoloxíes. Per un sitiu, l'oliu pasa a Italia; por otru, la forma italiana, la figura humana, pasa a Flandes. Na so fase primitiva, el pasaxe de teunoloxíes ye por trasiegu direutu. Los viaxeros a Italia ―Van der Weyden, Michel Pacher, Van der Goes o Dürer― o los viaxeros a Flandes ―Antonello da Messina― realicen el trasiegu necesariu pa la fusión. Nos talleres importantes d'unu y otru tueru realiza l'amiestu de les artesaníes: el taller Bellini en Venecia, el taller Dürer en Nürnberg, el taller Holbein en Augsburg, el taller Metsys n'Amberes. L'espardimientu del oliu flamencu y la forma italiana marca'l fin del secretu de los artesanos pintores. Escontra 1525 el taller medieval cumplió'l so ciclu y amorrenta definitivamente. L'artesanía nuevo ye sopelexada por aciu llibros. Ente 1470 y 1490 Piero della Francesca escribe'l so De prospectiva pingendi pero permanez inéditu prácticamente hasta'l presente sieglu; en 1505 Johannes Viator (Jean Pélerin) publica De artificiali perspeutiva; en 1509 Luca Pacioli publica De divina proportione; de la mesma dómina ye'l Trattato della pittura de Leonardo pero nun va ser publicáu hasta 1551; en 1525 publica Dürer el so Underweysung der messung mit dem zirkel und richtscheyt y darréu, en 1528, el so Vier Bücher von Menschlicher Proportion. Cierra esti ciclu la obra de Vasari -y vite, 1550, el primer estudiu históricu sobre la pintura renacentista.

    Albrecht Dürer na hestoria del arte, Juan Grompone, páxs. 31-32
  13. «Desconozse la naturaleza de la innovación concreta de Van Eyck, pero nun hai dulda de que foi l'autor d'una revolución de les téuniques de la pintura al oliu n'Europa, yá que la dotó de mayor flexibilidá, un coloríu más ricu y mestu, una gama más amplia d'escamplaes y escuros y una transición y amiestu sutil de los tonos. Dende la so dómina, empezaron a ser esplotaes les grandes posibilidaes d'esti métodu, que ganaron en popularidá al temple». Chilvers, op. cit., voz «óleo, pintura a el», páx. 515. «La torga que significaba nun disponer del oliu yera comparable a la torga de nun conocer la forma. De la fusión de los dos grandes conquistes de los tueros italianos y flamencos va nacer finalmente la síntesis renacentista». Grompone, op. cit.
  14. Master of the Saint Lucy Legend at Artcyclopedia; Master of the Saint Lucy Legend. Fuentes citaes en en:Master of the Legend of Saint Lucy de la Wikipedia n'inglés.
  15. Master of the Embroidered Foliage at Artcyclopedia; Exhibition on Master of the Embroidered Foliage at Clark Art Institute, Williamstown. Fuentes citaes en en:Master of the Embroidered Foliage de la Wikipedia n'inglés.
  16. Chilvers, Osborn y Farr, op. cit, voz «Maestru de...» y siguientes.
  17. Grompone, op. cit.
  18. Venetian Gothic.
  19. Pietro Cavallini in Naples
  20. El términu renacencia, tantu n'orixe del so usu como na so precisa llocalización cronolóxica, nun ye un conceutu unívocu. Anque davezu la historiografía del arte utilízalo pa los sieglos XV y XVI n'Italia, y por estensión al restu d'Europa; los testos qu'acuñaron el términu acutar de forma distinta: Vasari (Vite..., 1550) empezaba con Cimabue (sieglu XIII); Jules Michelet (Histoire de France 1855) alcontrar ente Colón y Galiléu (1492-sieglu XVII); y Jacob Burckhardt (Die Kultur der Renaissance in Italien, 1860) referir al periodu ente Giotto y Miguel Ángel (del XIV a la primer metá del XVI). Establecer el momentu inicial a mediaos de sieglu XV ye bien habitual: Anthony Blunt Teoría de les artes n'Italia de 1450 a 1600 (1940).
  21. Antonello de Messine, en possession du secret par lequel Jean de Bruges avait rendu plus facile l'emploi de la peinture à l'huile, pórtalu à Venise vers 1450, tandis que Dominique -y fit connaître à Florence.

    Nesi entós trabayaba en Flandes, Juan de Bruxes (Van Eyck), quien se punxo a esperimentar con diverses clases de colores y como-y apasionaba dedicar se a la alquimia, preparó munchos aceites pa faer barnices, poniendo una tabla a ensugar al sol, que arió, y viendo el dañu producíu pol calor, resolvió atopar el mediu de solucionalo, ensugando a la solombra y depués de realizar munchos ensayos con sustances pures o entemecíes ente sigo, atopó finalmente que l'aceite de llinaza y el de nuez, yeren los más secantes. Estos, pos, fervíos con otres de los sos amiestos, producieron el barniz qu'él y toos el pintores deseyaren largamente. Depués vio que si s'apiguraben el colores con esta clase d'aceite, dába-yos una gran solidez y que, secos, non yá resistian a l'agua, sinón que se volvíen bien intensos y brillantes de por sí; ensin necesidá de barnizalos. Y lo más maraviyosos yera que s'entemecíen infinitamente meyor que al temple. Mientres dalgún tiempu, Juan nun quixo que naide lo viera trabayando, nin tampoco quixo enseñalu a nengún el so secretu; pero al avieyar confiar al so discípulu Rogelio Van Der Weyden. Mas anque los mercaderes mercaben les sos obres y l'inventu espublizárase non yá en Flandes, sinón n'Italia, nun se conocía'l métodu d'executales, y el misteriu fora de Flandes nunca foi afayáu mientres llargos años. Antonello da Messina (nació a principios del sieglu XV en Mesina y finó en 1479), bien diestru nel so oficiu de pintor y habiendo sabíu que al rei Alfonso I de Nápoles, llegára-y una tabla pintada a oliu por Juan, él como munchos otros pintores, foi vela y allabala, pos podía llavase y aguantaba cualquier golpe; asina ye que cuando consiguió vela, tuvieron tanta influyencia nél la vivacidad de los colores y la guapura y harmonía d'aquella pintura, qu'escaeciendo cualesquier otru asuntu o pensamientu, dir a Flandes; y llegando a Bruxes, con obsequios de dibuxos italianos fíxose bien amigu de Juan, a tal puntu que por considerancia a Antonello, yá vieyu, consistió en qu'ésti viera como procedía pa pintar al oliu; y nun salió l'italianu de dicha ciudá, antes d'aprender perbién el métodu que tanto deseyaba conocer. Habiendo muertu Juan pocu dempués, Antonello volvió a la so patria y dio al mundu participación en tan útil, bellu y cómodu secretu.

    La síntesis de los dos corrientes de pintura realizar ente 1475 y 1535. Nun conocemos esactamente los tresportadores del oliu a Italia. La tesis Antonello nun ye demasiáu sostenible. La tresferencia d'una conocencia celosamente guardáu pola escuela de Van Eyck tien d'asoceder de la mesma qu'asocede l'espardimientu de la imprenta. Tratar d'un secretu demasiáu importante por que permaneza guardáu por una corporación medieval. El so espardimientu ye incontenible y adopta la forma d'un ábanu, con mil frentes y mil fisuras.

    Grompone, op. cit.
  22. Martín González, op. cit. 108-120.
  23. Les puertes norte realizar ente 1401 y 1422 y les puertes esti, tres una segunda axudicación, ente 1425 y 1452.
  24. Estableció les convenciones formales del modelu cuatrocentista de palaciu florentín, que desenvolvieron el Palazzo Rucellai (Leon Battista Alberti y Bernardo Rossellino, 1446-1451) y el Palazzo Pitti (Luca Fancelli, discípulu de Brunelleschi, 1458). El modelu de palaciu urbanu medieval yera'l Palazzo Vecchio, d'aspeutu acastillado.
  25. Enantes, Donatello restableciera'l modelu d'estatua ecuestre col Condottiero Gattamelata (1447-1453), inspiráu na antigua estatua ecuestre de Marco Aurelio del Capitoliu romanu.
  26. Renacimientu clásicu en Artehistoria.
  27. James William Pattison: The world's painters since Leonardo; being a history of painting from the Renaissance to the present day. Da a esta escuela una acotación temporal ente 1452 y 1564.
  28. Fernández, Barnechea y Haro op. cit, páx. 236.
  29. La definición del manierismu primeramente fíxose de forma peyorativa: como una fase decadente de la renacencia, carente d'orixinalidá. Dende mediaos del sieglu XX produz una revalorización del arte de la dómina (esposición de 1955 nel Rijksmuseum d'Ámsterdam organizadda pol Conseyu d'Europa) y empiézase a definir el manierismu como un estilu autónomu (Arnold Hauser, op. cit. y El manierismu, 1965). Fuentes citaes por Fernández, Barnechea y Haro, op. cit., páx. 263.
  30. Empecipiáu por Antonio da Sangallo el Mozu en 1514 colos criterios cuatrocentistas del palaciu florentín, Miguel Ángel prosigue les obres ente 1546-1549 y darréu Vignola y Giacomo della Porta hasta 1589. Ye'l modelu de palaciu romanu del Cinquecento.
  31. Martín González, op. cit, t. II, páx. 33-34
  32. El cuadru, na Real Academia de Belles Artes de San Fernando, nun ta fecháu (na páxina web d'esa institución). Una versión similar, del Muséu de Belles Artes de Bilbao, ta fechada en 1560 (por esi muséu).
  33. Ficha en Artehistoria
  34. Ficha en Artehistoria
  35. Les denominaciones Alto Renacimientu y So Renacimientu referíes a España estremen el sieglu XVI nos dos tercios iniciales (pal Alto, que tamién englobaría el postreru cuartu del sieglu XV) en que s'asoceden los estilos estilo Reis Católicos (o Isabelín), estilu Cisneros, Platerescu y Purista (o Romanista); y el postreru terciu (pal So), que tamién se califica de Manierismu español (vease Fernández, Barnechea y Haro, op. cit). La periodización ye distinta n'otru autores, dándose definiciones como fase serliana pal periodu 1530-1560 (por Sebastiano Serlio) y fase clasicista pal periodu 1560-1630 (José Miguel Muñoz Jiménez El manierismu na arquiteutura española (I y II). El discutiniu sobre lo fayadizo de la etiqueta manierista pal casu español lleva inclusive al usu de términos como antimanierismo, pseudomanierismo, contramaniera... o manierismu trentín (Camón Aznar, citáu por Sviatoslav Savvatieyev Arremente del problema del manierismu na pintura española
  36. Diego de Sagredo Les Midíes del Romanu, 1526. Na España de la década de 1530 lo romano imponer a lo moderno, términos de la dómina que designaben, respeutivamente, al Renacimientu y al Góticu, pos se consideraba que'l primeru volvía a l'Antigüedá romana y el segundu yera más actual (Maroto, op. cit., páx. 195).
  37. La definición del barrocu y les sos distintes fases, dende la so carauterización como estilu por Heinrich Wölfflin foi oxetu de bien distintes reinterpretaciones, viéndose inclusive como una fase d'entueyu y crisis que presentaríen tolos estilos artísticos (Eugenio D'Ors), ente que la so denominación inicial ye una incógnita (suel rellacionase cola pallabra portuguesa que significa 'perlla irregular' o cola italiana que significa 'razonamientu retorcigañáu', por un tipu de siloxismu falsu). Les feches y fases, según la identificación o non del rococó col barrocu final suelen indicase de forma bien distinta nos manuales d'hestoria del arte (vease bibliografía xeneral; por ejemplom Palomberu op. cit., páx. 287. Les denominaciones camuden pa cada país: por casu, n'Alemaña falar d'un alto barrocu o barrocu alemán pal periodu final del sieglu XVII y l'empiezu del XVIII (Fernández, Barnechea y Haro, op. cit., páx. 287).
  38. Roma barroca en Artehistoria.
  39. L'arte nos centros periféricos Turín, urbanismu y arquiteutura como afirmación política y Xeometría y fantasía na arquiteutura de Guarini en Artehistoria.
  40. John H. Elliott y Jonathan Brown (1980) Un palaciu pa un rei, Taurus, ISBN 84-306-0524-X
  41. N'otra plaza madrilana atópase la estatua ecuestre de Felipe IV, del mesmu escultor (1634-1640), realizada a partir de bocetos de Velázquez y d'atrevida postura, que ye fama precisó cálculos físicos de Galiléu Galilei.
  42. Ficha en Artehistoria d'otru Cristu yacente de la mesma serie.
  43. La escultura francesa del sieglu XVII en Artehistoria.
  44. Fernández, Barnechea y Haro, op. cit., páx. 343
  45. Conti, op.cit., páx. 11
  46. Tamara Préaud (ed.): Porcelaines de Vincennes: anícieslos de Sèvres, catálogu de la exhibición, Grand Palais, ochobre de 1977 - xineru de 1978. Sassoon, Adrian, 1991. Catalogue of Vincennes and Sèvres Porcelain in the J. Paul Getty Museum (Malibu) 1991 ISBN 0-89236-173-5. Fuentes citaes en en:Vincennes porcelain de la Wikipedia n'inglés.
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  50. Reseña de la esposición nel Muséu Arqueolóxicu Nacional (2006).
  51. The serpentine line que describe como being composed of two curves contrasted (compuesta de dos curves oldeaes), forma particularmente bella que gives play to the imagination and delights the eye (da xuegu a la imaxinación y allanta al güeyu). The Analysis of Beauty (1753), citáu por Obra citada |last1= Perry|first1= Gill|authorlink1= |last2= |first2= |editor1-first= Gill|editor1-last= Perry|editor2-first = Colin (eds.)|editor2-last = Cunningham |title= Academies, Museums and Canons of Art: |series= Art and its Histories |date= |year= 1999|month= |origyear= |publisher= Yale University Press |location= New Haven and London |isbn= 0 300 07743 2|oclc= |doi= |id= |trans_chapter= |chapter= "Mere face painters?" Hogarth, Reynolds and escurres of academic art in eighteenth-century Britain}}. Flavio Conti Cómo reconocer l'arte Rococó, 1978 Rizzoli (ed. española de José Milicua, 1980 ISBN 84-85298-48-9), páx. 11-12.
  52. J. Palombu op. cit.; Conti, op. cit., páx. 37 y ss.
  53. 53,0 53,1 J. Maroto op. cit. páx. 290-291.
  54. Emilio Gómez Piñol: «L'arte indiano del sieglu XVII: del orde visual clásicu al océanu de colores”», 1991.
  55. Yera vultable l'arte indíxena, entemecíu con estilos ya influyencia oriental que veníen dende China, Xapón y Filipines... un exemplu ye la lloza de Puebla que los sos oríxenes son la cerámica de China y Xapón. (Los productos de la Sierra Negra, páx. 41). Biombos d'influyencia oriental (Espinosa spínola, G. L'arte hispanoamericano: estáu de la cuestión, 2004, páx. 11). La influyencia oriental... Méxicu foi unu de los primeros virreinatos consumidores de luxos que llogró establecer una vía comercial direuta con China a partir de 1565 por aciu el saléu regular ente Acapulco y Manila, dende onde recibió una influyencia más fuerte que'l restu d'América. (El mueble novohispano, páx. 22). La mayoría de les talles relixoses de marfil mexicanes nun se fixeron en Méxicu. Tallar por encargu y siguiendo modelos europeos en China continental y nos asentamientos chinos de Filipines. Llevábense depués a Acapulco (Méxicu) nel galeón de Manila y, d'ende, distribuyir a España y otros llugares d'América. Estes imáxenes conócense tamién como marfiles hispanu filipinos y, inclusive, como marfiles lusu indios (los portugueses tamién fixeron talles similares nes sos colonies de la India). Esisten dellos trabayos esporádicos fechos na Nueva España (Méxicu). Realizar nos sieglos XVI y XVII y XVIII. Cristos de marfil (Méxicu)
  56. La Tercera Roma, en Artehistoria.
  57. William Brumfeld, Landmarks of Russian Architecture: A Photographic Survey (Documenting the Image, Vol 5)(Amsterdam: Overseas Publishing Association, 1997), p. 95. Fonte citada en en:Postink Yakovlev.
  58. Michael Sullivan, The Meeting of Eastern and Western Art, University of California Press; Rev Exp El so edition (June 1, 1989), ISBN 978 0520059023; Asian Art at the Metropolitan Museum of Art. Fuentes citaes en en:Eastern art history de la Wikipedia n'inglés.
  59. L'usu como material constructivo de tierra y materiales orgánicos (madera, paya y otres fibres), fai que realmente'l so aspeutu actual seya el resultáu del so caltenimientu y cambéu constante al traviés de los sieglos.
  60. Foroqhi, S. Subjects of the Sultan: Culture and Daily Life in the Ottoman Empire, I. B. Tauris, 2005, ISBN 1-85043-760-2, p. 152; Newman, A. (ed) Society and Culture in the Early Modern Middle East, BRILL, 2003, ISBN 90-04-12774-7, p.177; Göçek, F. East encounters West: France and the Ottoman Empire in the Eighteenth Century, OUP, 1987, ISBN 0-19-504826-1, p. 106; VV.AA. Muqarnas: An Annual on Islamic Art and Architecture, Leiden : Y.J. Brill, ISBN 978-90-04-10314-6, OCLC 33228759; Hoag, John D (1975) Islamic architecture, London: Faber, ISBN 0-571-14868-9; Aslanapa, Oktay (1971) Turkish art and architecture. Londres: Faber, ISBN 0-571-08781-7; Serpil Bagci, Filiz Cagman, Gunsel Renda, Zeren Tanindi Osmanlı Resim Sanatı (Ottoman Painting); Beşdir Ayvazoğlu Aşk Estetiği (The Aesthetics of Divine Love); F. Çağman Turkish Miniature Painting; Turkish Miniatures from the 13th to the 18th century; Aslanapa, Oktay (1988), One Thousand Years of Turkish Carpets, Translated and edited by William A. Edmonds, Istanbul: Eren. R. Ettinghausen; Ariel Salzmann (2000): «The age of tulips confluence and conflict in early modern consumer culture (1550-1730)», en Consumption Studies and the History of the Ottoman Empire, 1550-1922, Albany State University of New York Press, páxs. 83-106. Fuentes citaes nos artículos de la Wikipedia n'inglés: en:Culture of the Ottoman Empire, en:Ottoman architecture, en:Ottoman miniature, en:Turkish carpet y en:Tulip period.
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    Fuentes citaes en en:Aniconism in Islam de la Wikipedia n'inglés.
  63. El testu que lu acompaña diz: «Oxalá la vida te conceda tou lo que los tos llabios deseyen de los tos amantes, del ríu y de la copa». H. Nahavandi, y Y. Bomati: Shah Abbas, empereur de Perse (1587-1629), páx. 162. París: Perrin, 1998.
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  67. Ficha
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BibliografíaEditar

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  • Enciclopedies d'Historia del Arte:
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Series documentales:

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Enllaces esternosEditar